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Björk Gudmundsdottir naît le 21 novembre 1965 à Reykjavik, capitale de l'islande.
Fille de Hildur Runa Hauksdotir, vivant dans une communauté Hippie et de Gudmundur, électricien.
Björk signifie bouleau en français, un arbre qui était sacré à l'époque des vikings. Björk est également le nom d'un signe runique qui signifie renaissance ou résurrection.
Peu de temps après sa naissance, Hildur décide de vivre avec Saevar Arnarson qui faisait partie d'une communauté hippie. Il est guitariste dans un groupe, Pops, qui ne joue que des reprises de Eric Clapton et Jimi Hendrix.
Au sein de la communauté de ses parents, Björk acquiert rapidement une indépendance qui lui permet de diriger vers une éducation musicale.
" Pendant longtemps, j'ai considéré que vivre dans la communauté hippie où j'étais représentait vraiment une chance : voir des gens qui me racontaient des histoires pendant 6 heures, m'apprenaient la peinture, etc. Et puis, vers l'âge de 6 ou 7 ans, je me suis dit : " Mais pourquoi ne vous levez vous pas pour AGIR, faire quelque chose, au lieu de raconter des histoires qui ne mènent à rien ! " C'est à partir de ce moment que je suis devenue très active. C'est quelque chose que les gens autour de moi peuvent constater : ma volonté. Je crois que je suis vraiment faite d'acier. "
DECOUVERTE DE LA MUSIQUE...
En peu de temps, elle étudie le solfège, la flûte et le piano. Elle s'intéresse aussi beaucoup à la musique classique, au jazz et au folk en partie pour se démarquer du rock et de la pop psychédélique alors en vogue et qui ne l'intéressaient pas. Son éducation musicale est très variée. Björk désire tout connaître de la musique.
A onze ans, un petit label, Falkinn, contacte sa mère pour lui proposer un contrat d'enregistrement. Elle a donc eu l'occasion de faire quelques essais de voix : elle a chanté pour la principale radio d'Islande la chanson Love to Love.
Plus tard, grâce à l'aide de son beau père Saevar, elle enregistre son premier disque. Il sortira à la fin de l'année 1977, en même temps que les fêtes de Noël. Cet album rassemble des reprises internationnales comme Stevie Wonder, es Beatles, Melanie, mais également des chansons traditionnelles islandaises et même une chanson écrite par Björk en hommage à un artiste-peintre islandais Johannes Kjarval. " La musique de cet album était très joyeuse, une pop gentillette. A la fois " bubble gum " et " fofolle ". Il s'agissait plutôt de chansons pour enfants, mais aussi de choses que j'avais écrites moi-même. L'album s'est vendu à 7000 exemplaires, ce qui correspond à un disque de platine en Islande.
Deux ans après cette première expérience discographique en 1979, elle forme un groupe avec deux amis, Exodus, qui se contentera d'éditer quelques démos sans grande importance, leur musique se rapprochant d'une sorte de mix de pop et de new wave. Cela donnera en tout cas l'occasion à Björk de passer brièvement à la télé islandaise.
TAPPI TIKARRASS...
Après l'épisode Exodus, au début des années 80, elle reprend sa vie en main en vivant de petits boulots. Elle travaille à l'usine Coca Cola, dans une poissonnerie, chez un antiquaire et tout ça en même temps !
Elle monte alors un nouveau groupe, Tappi Tikarrass, en compagnie du bassiste d'Exodus, Jakob Magnusson. UN premier mini-LP, Bitid Fast I Vitid sort rapidement sur le label Spor de Reykjavik, en septembre 1981. Le groupe connaît un bon succès et passe même dans un documentaire télévisé, Rokk I Reykjavik. Cette émission donnera à Björk l'occasion de découvrir d'autres groupes islandais qui possèdent des affinités avec elle. Des membres de ces groupes collaboreront ultérieurement ave Björk : Einar Gulli et Siggi entre autres. De ce documentaire réalisé par Fridrik Thor Fridrikson, sera tirée une compilation qui donne une idée très fidèle de la scène rock islandaise de cette époque.
En 1983, à 17 ans, et après un dernier album de Tappi Tikarrass, Miranda, Björk se sépare de ce groupe pour rejoindre ses amis de la scène alternative islandaise : Siggi et Gulli de Peyr, ainsi que Einar, vieil ami de Björk. A cet effet, deux des groupe les plus importants de cette scène, Peyr et Purrkurr Pillnikk, se sabordent en même temps que Tappi Tikarrass…
C'est le début d'une nouvelle aventure pour un nouveau groupe, Kukl, qui entame son aventure en passant à un show radio durant l'été de cette année, une émission nommée Afangar, qui est un reflet de la scène new wave islandaise.
KUKL...
A cette époque, la relation de Björk, Einar et Siggi s'intensifia au point qu'ils envisagèrent de monter un nouveau groupe. C'est ainsi que naquit Kukl (sorcier en islandais) avec Björk comme chanteuse, Einar Orn Benediktsson aux cuivres et au chant; Sigtryggur Baldursson dit Siggi à la batterie et Thor Eldon Jonson à la guitare. Quelque temps après, Gud Krist, guitariste énigmatique, Birgir à la basse et Melax au clavier vinrent s'ajouter au groupe.
Ils enregistrèrent ensemble deux albums qui sortirent ensuite en Grande Bretagne : The eye en 1984 et Holidays in europe en 1985. Encouragés par cette série de fantaisies romantiques et aventureuses qui obsèdent les cerveaux des adolescents, les membres de Kukl décidèrent de quitter l'ennuyeuse Islande pour mettre le cap sur la Grande Bretagne, non sans avoir financièrement tapé les membres de leurs familles.
Là, ils achetèrent une voiture, symbole maximum du bien-être capitaliste et se consacrèrent à jouer et à survivre... Björk se souvient: "On étaient très pauvres. Notre seul objectif était de jouer de ville en ville, de café en café. Pour nos déplacements, on volait l'essence des réservoirs des voitures. On ne mangeait que du sucre, par petits morceaux..."
Le 14 septembre 1984, les musiciens de Kukl se produisent à Paris où ils enregistrèrent une cassette (éditée par le labelVisa) qui circula dans les magasins de disques les plus outsiders d'Europe sous le titre explicite de Kukl à Paris. Comme d'authentiques missionnaires, les membres de kuklretournèrent au pays avec une auréole de prédicateurs de la culture anticonformiste islandaise.
Leur choix musical était dense et imposant. Soutenus par lerock gothique et sinistre de Killing Joke et par l'after-punk de The Fall, le groupe composa des morceaux d'une construction sonore blindée dont les guitares rappelaient les moments les plus fantastiques de King Crimson.
THE SUGARCUBES
Le passage de kukl aux Sugarcubes fut planifié de façon froide et rationnelle. Malgré les protestations de Björk qui regrettait la dissolution du groupe. Einar Or, l'idéologue du groupe proposa de faire table rase et de repartir à zéro, selon un concept pop, pour assainir leur économie et prnendre un peu de recul avant l'étape suivante. Thor, Siggi, Bragi et Björk le suivirent, mais pas Gulli... Conscients du changement radical, ils renoncèrent au nom antérieur et se rebaptisèrent Sykurmolarnir, c'est à dire The Sugarcubes.
Leur intention suprême était de placer au second plan le caractère idéologique et intercaler des passages de pop de consommation pour devenir, selon la chanteuse, un "cliché vivant".
Selon la version officielle, le groupe se forma le 8 juin 1986 avecEinar, Siggi, Thor, Bragi, Björk et einar Melax qui sera rapidement remplacé par Margret Ornolfsdottir dite Magga. Cohérents avec leur rôle d'aristes et d'agitateurs conceptuels, The Sugarcubes créèrent une marque propre, Bad Taste et ils montèrent une librairie de poésies, une station de radio, une galerie d'art et, finalement, une maison de disques. Tout un holding anticonformiste.
Björk se maria avec Thor Eldon et se retrouva enceinte; en même temps. TheSugarcubes commencèrent à montrer leurs griffes de super groupe islandais, à la projection internationale. Leur premier single, encore enregistré sous le nom de Skyurmolarnir -Sugarcubes en islandais- fut Einn mol' a mann, édité en cinq cents exemplaires; il fut suivi, alors que le groupe était définitivement rebaptisé en anglais, de Birthday en septembre 1987. La presse britannique acceuillit la chanson avec beaucoup d'enthousiasme. Melody Maker choisit mêmem la chanson comme single de la semaine.
Le boom arriva avec le premier album, Life's too good, édité en mai 1988; les éloges de la presse britannique donnèrent des ailes aux prétentions internationales d'Einar et de ses collègues. Un écrasant mixage de pop, rock, funk et même jazz, fit de l'album une rareté de la scène indie des années 80. Pour couronner le tout, il reçut un accueil très favorable du public:
150 000 exemplaires se vendirent sur le dur marché britannique... et près d'un demi million sur le marché encore plus difficile des Etats-Unis.
Le succès de The Sugarcubes commença à diminuer à partir de l'édition de leur deuxième album. Hère today, tomorrow next week!, en octobre 1989.
Mais l'imagination illimitée de Life's too good semble s'être diluée dans une collection routinière de chansons irrégulières. L'accueil discret de Hère Today, tomorrow next week! décida Björk et ses compagnons à retourner en Islande et à ouvrir une parenthèse dans leur travail en commun.
Björk prit un peu de repos. En septembre 1990, elle se proposa d'enregistrer dix-sept chansons avec le pianiste vétéran Gudmundur Ingolfsson, qui mourut peu de temps après. Il s'agissait de thèmes traditionnels islandais de jazz ainsi que trois versions, Ruby baby et les standards de jazz / can't help loving that man et Pad sést ekki saetari mey. Les musiciens Gudmundur Steingrimsson et Pördur Högnason participèrent aussi à l'enregistrement d'un album signé Björk Gudmundsdöttir & Trio Gudmundar Ingolfssonar, paru vers la fin de l'année 90, sous le titre de Gling-glo.
Le regard à nouveau tourné vers la Grande Bretagne, elle prit contact avec divers musiciens. Elle collabora avec le groupe de Manchester 808 State en mai 1991sur les chansons Ooops et Qmart.
Mais Björk pensait toujours à The Sugarcubes qu'elle considérait comme son groupe, comme un projet non terminé. Alors le sextuor se réunit à New York pour préparer les chansons de son album posthume, Stick around for joy, édité en février 1992 et précédé du single Hit. Malgré la qualité de leur travail, les musiciens de TheSugarcubes étaient en proie à d'importants remous internes et se dirigeaient vers un abîme.
Curieusement, il n'y eut pas de communiqué officiel de la dissolution du groupe The Sugarcubes, mais c'était déjà de l'histoire ancienne. Pendant quelque temps, Björk insista, dans ses déclarations, sur le fait que son projet de chanter comme soliste était complémentaire à sa carrière avec le groupe.
DEBUT
Dès le premier titre de Début, Human Behaviour, l'ambiance est installée : Björk a atteint une indéniable maturité. Human Behaviour est un chef-d'œuvre de délicatesse, une magnifique ode légèrement " groovy ", comme Björk saura en écrire ensuite, un merveilleux pied de nez à sa carrière des Sugarcubes, un changement de direction à 180°.
Cependant, Björk ne sait pas encore où elle va avec cet album. Tout s'est passé très vite depuis la fin des Sugarcubes, Le petit ami " 1992 " de Björk, Dom T, est un ami de Nellee Hooper, célèbre producteur-gourou de Soul II Soul et Massive Attack. Dom T persuade Hooper de rejoindre Björk pour l'aider dans sa toute nouvelle carrière solo. Björk, qui s'installe dès 1993 à Londres, pour côtoyer " l'industrie " au plus près : les maisons de disques, les concerts, les studios... Reykjavik est bien loin.
Intéressé par le potentiel vocal de Björk, Nellee Hooper accepte la donne : il produira l'album solo de Björk. Et le moins que l'on puisse dire, c'est que Björk, outre la présence importante de Hooper, est très bien entourée. Marius de Vries aux programmations, Talvin Singh aux tablas, Howie B. à la coproduction pour n'en citer que quelques-uns.
Björk ne sait pas très bien où elle va, et ses textes s'en ressentent presque avec des allusions curieuses, comme dans Human Behaviour (There's definitely no logic/to human behaviour/but yet so irresistible) ou Big Time Sensuality ('don't know my future after this week-end and I don't want to), et l'album aussi, avec de multiples directions musicales. Si Venus as a Boy sonne " oriental " avec la présence des arrangements de cordes de Talvin Singh, There's More to Life Than This est une hilarante tentative de disco enregistrée... des toilettes d'un bar, tandis que Come to Me fait appel aux tablas de Singh pour une belle chanson d'amour que l'on croirait presque dédiée au fils de Björk, Sindri. Citons enfin Violently Happy, ritournelle house parfaite, qui servira de conclusion à ses concerts, transformant les salles en rave parties endiablées ! Les tentatives sont diverses, mais le travail reste identique ; un gros effort est fait sur la production et les arrangements, comme en témoigne la superbe composition The Anchor Song, fondée sur des arrangements de cuivres, ou Aeroplane, petite envolée exotique sur tapis de cuivres, ou un autre sommet de l'album, la reprise de la chanson de Burke/Van Heusen, Like Someone in Love, qui nous fait goûter du " Earing guitar like someone in love " sur fond de... harpe !
POST
Lorsque Post parait en 1995, le défi est grand: il s'agit de faire mieux que Debut! Il semble réussi puisque Post frôle la perfection. Elle implique dans cet album Nellee Hooper,Howie B., Graham Massey qui avaient déja travaillé sur Debut mais invite également Eumir Deodato, célèbre arrangeur brésilien, et Tricky qui coécrit avec elle deux titres, Enjoy et Headphones.
En retour, Tricky invitera Bjôrk sur deux titres de son projet Nearly God.
Post se présente comme un prolongement de Début, avec une instrumentation plus élaborée et des idées d'arrangements encore plus audacieuses. On quitte un peu plus les béats parfois house de Début pour ne connaître qu'une sorte de bain musical étonnant, entre cordes, cuivres, harpe et programmations.
Les instants a priori faibles de l'album sont très peu nombreu,. les instants de génie, de purs moments de bonheur musical, sont eux très nombreux. À commencer par les morceaux en partie arrangés par Deodato, tels Hyperballad, superbe dérive sur tapis de cordes et synthés, It's Oh So Quiet, alternant douceur et folies, et sa belle progression ou encore I Miss You, une jolie composition cosignée Howie B. Même les morceaux travaillés de manière plus " brut " sont irrésistibles, comme l'impressionnant Army of Me, réfléchi dans ses moindres détails.
Cette volonté de partir dans différentes directions se remarque également au niveau de la production. Plus de quasi-contrôle de la part du gourou Nellee Hooper : ici, pratiquement chaque artiste, arrangeur ou producteur qui apporte sa touche à telle ou telle composition est invité de même à sa pro- duction.
Grande toile expressionniste, Post se nourrit ainsi des touches de couleurs d'une multitude d'artistes. Le désir de Björk de rencontrer des artistes, des compositeurs, et de passer au travers sa propre œuvre, trouve ici son apogée. Jamais l'idée de correspondance (Post) n'avait paru aussi véritable...
L'album est une fois de plus un succès critique et public. Les grandes salles s'ouvrent dorénavant à la petite Islandaise, nouvelle reine promue des années 90.
TELEGRAM
Telegram, album de remixes, se voulait être un album de fête et de célébration, une manière pour Björk de remercier tous les remixeurs qui ont ardemment travaillé sur ses compositions.
En ce mois de novembre 1996, il sort en réalité dans un contexte assez difficile. 1996 n'aura pas été une année aisée pour Björk, entre son combat avec une journaliste anglaise dans l'aéroport de Bangkok et la tentative de meurtre d'un fan fou par colis piégé interposé, tentative heureusement déjouée par la police londonienne, mais qui conduira au suicide du fan... Sans oublier les affaires de cœur de la belle, qui s'achèveront par un pugilat stupide entre Goldie et Tricky, deux ex-amants, à la fin de l'année.
Telegram est un album passionnant. C'est également un combat qui n'était pas gagné d'avance pour un album entièrement dédié à des remixes, étant donné les quantités de travaux parfois insipides qui peuplent les maxi sortant chaque année! Quel était le contexte musical lors de la sortie de Tele-gram ? Björk est depuis trois ans à Londres. Elle se sent bien dans la capitale anglaise. Elle pense que ses albums reflètent plusieurs émotions, ou plutôt des phases émotionnelles qui tentent d'établir une connexion avec ses propres émotions.
En prolongement de ces recherches, Björk s'est depuis longtemps intéressée au travail des remixers, ces " artistes associés " qui deviennent complices de l'Islandaise le temps d'un titre. Elle a voulu leur consacrer un album : Telegram, correspondant " postal " de Post, comme un post-scriptum ajouté à une longue tirade. Telegram pousse donc encore plus loin les passerelles qu'avait lancées Björk sur Post : arrangements de cordes, drum and bass, ambient, techno hardcore ou quatuor cohabitent sur cet album riche et développé dans de multiples directions.
L'album débute par Possibly Maybe remixé par Mark Bell de LFO, un ami de longue date de Björk, qui avait effectué des remixes de Hyperballad. Possibly Maybe est dans la lignée des productions de LFO, soit une techno sobre et racée. Hyperballad, superbe montée en puissance de Post, est ici revisité par le Brodsky Quartet, un quatuor à cordes, dans une belle envolée lyrique qui a tant enchanté Björk qu'elle en a réenregistré les paroles. Enjoy est le fruit d'une collaboration avec Outcast, qui a traité la chanson de Björk et Tricky sur le mode hard-core, dans la lignée des travaux d'un Alec Empire.
Sur My Spine, la seule collaboration originale de l'album, Björk s'est adjoint les services d'Evelyn Glennie, une percussionniste surdouée, sourde à 90 %... Le résultat est étonnant de simplicité et de cohésion. Le titre a été enregistré en... dix minutes, le courant étant très bien passé entre les deux jeunes femmes. I Miss You, titre coécrit avec Howie B., est remixé par un de ses amis, Dobie. L'habillage du titre est digne de l'univers Pussy Foot, l'écurie d'Howie B. Isobel et You've Been Flirting Again sont de brillants exemples de la participation d'Eumir Deodato, Cover Me est la tentative drum and bass de Dilinja. Une réussite totale... Army of Me est un pari. Le titre avait été coécrit par Graham Massey, le mentor de 808 State. Enfin, l'album s'achève avec ce qui est sans doute le remix le pls intriguant de l'album, celui de Headphones réalisé par Mika Vaino.
Au final, Telegram se révèle passionnant et riche d'enseignements. Non seulement il crédibilise le travail des remixers les plus talentueux, mais il illustre le principe de collaboration entre artiste-compositeur et artiste-arrangeur...
HOMOGENIC
Ainsi donc, après les "relations épistolaires " qui avaient dirigé la marche à suivre des premiers albums, Début, Post et Telegram, Björk semble se recentrer sur elle-même. Telegram avait conclu en beauté la trilogie des premiers albums, Homogenic est un nouveau départ. L'album a été enregistré dans le studio résidentiel de Björk, situé à El Madronal, dans le sud de l'Espagne. Une sorte de retour à une certaine simplicité pour celle qui avait traversé l'année 1996 dans la tourmente.
L'adage " on ne change pas une équipe qui gagne " semble avoir guidé Björk dans ses choix de personnel, puisque l'on retrouve Mark Bell de LFO à la production, et une grande aide d'Eumir Deodato sur les arrangements de cordes du Icelandic String Octet. Ceci pour les constatations générales, outre le fait que l'on retrouve au mixage Howie B. et... RZA du Wu Tang Clan.
Homogenic est une merveilleuse prolongation de Post, comme si une nouvelle dimension avait été apportée au précèdent album studio. On retrouve sur Homogenic une variété de sons impressionnante, allant d'un énorme travail sur la voix de Björk à un ensemble de rythmiques proprement époustouflantes. Les arrangements de cordes s'avèrent parfaits, et l'inventivité qui ressort des compositions est constamment présente, des titres lents aux plus percussifs.
Les textes de Björk ont également sensiblement changé, prenant un tour plus pessimiste que sur album précédent, comme si les événements de 1996 l'avaient
Homogenic commence tout d'abord avec une série de titres mélodiquement très réussis, et comportant un important travail d'écriture harmonique.
Hunter est une nouvelle pierre blanche de l'album, vaste fresque martiale, accompagnée par des staccatos, et une série d'infra basses énormes ! On sent une menace lourde tout au long de ce morceau exemplaire, qui joue une fois de plus avec l'extraordinaire voix de Björk. C'est avec ce type de composition qu'on se rend compte de l'incroyable pouvoir "cinématographique" des chansons de Björk, capable de créer un vrai récit musical en l'espace de trois minutes.
Joga, le premier single, modèle de long développement à base de béats, de filtres, et de cordes agencées à merveille. Dès ce premier titre, la voix de Björk est éclatante de maturité
Unravel nous présente une collaboration de Howie B., à la production, dans un titre très ambient, qui met en valeur une rythmique lente, un orgue sobre et des trouvailles techniques comme plusieurs bandes inversées...
Bachelorette est un nouveau sommet de l'album (il y en a tant...), qui mise, comme Joga, sur une union parfaite entre l'acoustique (harpe, violons, violoncelles, timbales, accordéon!) et une rythmique menée de main de maître par Mark Bell.
All Neon Like, développe un nouveau jeu sur les rythmes, propulsant la chanson sur un tempo bondissant! Les variations des tons de la voix de Björk sont une fois de plus impressionnantes. De plus, l'agencement des instruments est tel que l'on a l'impression qu'ils " font la cour " à la voix de Björk ...
Five Years pousse encore plus loin les traitements sonores, avec un nouveau filtrage des voix particulièrement audacieux. Björk pousse sa voix jusqu'à rugir, et une fois de plus les arrangements de cordes de Deodato sont une merveille, sans parler d'une nouvelle utilisation de filtres de distorsion, qui se rapproche du son d'un groupe comme Outcast, avec qui Björk a déjà collaboré.
Immature se présente dans la lignée de Post, avec nappes de synthés et boucles avec piano. Une voix en écho nourrit une composition calme.
Alarm Call est un curieux mélange de composition ambient mixée avec des chœurs, le tout baignant dans la luxuriance d'une multitude de "bruits" d'ambiance .. La rythmique ici curieusement, est plus classique.
Pluto nous dévoile encore un étonnant travail de rythmique, totalement déjanté, qui se marie à merveille avec les sonorités très brutales des synthés. Nous sommes une fois de plus dans une lignée " LFO ", avec une série de breaks impressionnants, qui s'achèvent avec la voix littéralement habitée de Björk .
Enfin, nous terminons en beauté avec le magnifique All Is Full of Love, s'écroulant dans le déluge d'un refrain entêtant (un appel à la rédemption?), nourri de harpe, de violons et de la voix douce et éthérée de Björk.
SELMASONGS
Un court album (37 min), juste histoire de faire patienter jusqu'au réel quatrième album...
Il s'agit bien entendu de la bande originale de Dancer in the dark, film réalisé par Lars Von Trier et dont Björk a obtenu le premier rôle. Ce film a reçu la palme d'or au festival de Cannes en 2000 et le prix d'interprétation féminine pour Björk.
Il se trouve que la chanteuse a rencontré de graves problèmes pour la postproduction de cet album, pour laquelle on ne lui a pas accordé de contrôle. Elle avait de son propre aveu écrit huit minutes de musique en moyenne pour chaque thème. Ces thèmes ont été ramenés à quatre minutes en moyenne... Nous héritons donc d'un album franchement tronqué, qui aurait pu avoisiner l'heure d'écoute. La bande sonore de Dancer in the Dark reprend les principaux thèmes développés par la chanteuse durant le film.
Encadrées par deux très beaux développements instrumentaux (Overture et New World), les cinq chansons présentent chacune des caractères sensiblement différents.
Cvalda est chanté en duo avec Catherine Deneuve (qui joue précisément le rôle de Cvalda dans le film), avec de premières et sérieuses incursions dans le domaine de la chanson rythmée du type comédie musicale.
I've Seen It All, en duo avec Thom Yorke (Radiohead) est sans doute la chanson la plus poignante de l'album, une évocation de la cécité grandissante de Selma dans le film. Un thème scandé de manière subtile par les bruits d'un train circulant (par ailleurs l'une des scènes les plus remarquables du film).
Scatterheart et In the Musicals reproduisent les recettes chères à Björk : chant amplifié ou mutin, subtilité des arrangements et belle présence orchestrale, avec cette omniprésence de rythmes parfois scandés.
107 Steps est un court pont vers le final de la bande originale, New World.
Si le film avait pu agacer par une certaine propension, de la part de Von Trier, à verser dans le " pathos " et le larmoyant, il faut reconnaître à Björk, outre un excellent talent d'actrice, une présence irradiante sur cette bande originale, qui la place parmi les interprètes de la pop les plus intrigantes et les plus fascinantes. C'est plus que jamais sur cet album que l'on découvre sa voix envoûtante, tour à tour mutine, lascive ou menaçante. De plus, son talent de chanteuse se double ici d'un magnifique sens de la composition, aidé en cela par le producteur Mark Bell et le chef d'orchestre Vincent Mendoza. Une phase de transition (après Homogenic) qui augurait du meilleur pour son album à venir, Vespertine.
VESPERTINE
Album de Björk paru le 28 août 2001.
Vespertine est un voyage introspectif, une déclaration très intime de Björk qui se plonge en elle-même pour aborder des thèmes où sensualité, amour et confessions en tous genres se côtoient.
Elle ne voit aucune contradiction dans cette approche particulière de la vie, où la chanteuse se livre en toute impudeur : " C'est la vie de toute façon. Ta grand-mère t'appelle pour dire qu'elle est malade, et juste après tu mets du rouge à lèvres pour aller voir ton petit copain. Il faut jongler avec tous ces éléments pour qu'ils s'imbriquent. Quand tu te couches, si ta journée s'est bien passée, c'est que tu as bien jonglé, et puis il y a des jours où tu n'y arrives pas. Tout cela est contradictoire, mais il faut ça pour que la musique devienne plus réelle, moins isolée de la vie. Il doit y avoir un brin de lâcheté aussi dans tout ça : pour la première fois dans ma vie avec cet album, je me suis efforcée de créer un cocon. J'ai toujours été cette " punk " qui voulait que tout soit très vrai, très brut. Cette fois, cet album doit être un paradis dans lequel on peut s'échapper. "
Vespertine, plus qu'ailleurs dans sa discographie, Björk redécouvre sa voix et la richesse des arrangements qu'elle peut y coller. elle réussit une fois de plus à fédérer un nombre impressionnant de collaborateurs autour d'elle. Des "classiques", comme Guy Sigsworth, Valgeir Sigurdsson, Marius de Vries, Vincent Mendoza, Mark Stent, mais aussi des "nouveaux", comme Matmos (duo américain bruitiste à l'imagination débordante), Matthew Herbert, le Danois Thomas Knak ou la harpiste Zeena Parkins. Mais c'est bien elle qui dirige cette farandole d'artistes, avec comme toujours un sens inné de la programmation, des arrangements et des mélodies particulièrement riches sur cet album.
Entre ambition chorale, arrangements luxuriants et outils de programmations modernes, Björk a une fois de plus réussi à fabriquer un album intemporel et attachant, plongé dans les racines du passé (on y trouve un texte de E.E. Cummings datant de 1925) et tourné vers l'avenir. Vespertine apparaît bien être un disque en réaction. En réaction à l'exubérance et à la chaleur incandescente d'Homogenic (qui concluait de toute beauté une trilogie entamée avec Début et Post) l'ambiance générale du disque plonge dans une douceur ouatée d'un hiver en Islande, calfeutré dans un home studio minimal. Mais Vespertine a aussi été composé par la chanteuse islandaise à son retour de l'éprouvant tournage de Dancer in the Dark, durant lequel tous les voyants émotionnels de l'actrice avaient été activés dans le rouge, avec à la clé de constants conflits ouverts entre le réalisateur Lars Von Trier et la chanteuse. C'est à cette occasion, pour la première fois dans sa vie sans doute, que l'Islandaise était confrontée à quelqu'un qui désirait contrôler sa destinée. Une véritable épreuve pour cette artiste plutôt habituée à diriger sa propre carrière... Björk avait besoin de repos, de calme et de réflexion pour redémarrer sa carrière de chanteuse...
Vespertine évoque, bien entendu, les vêpres, la religion et donc la prière. Cette période religieuse assimilée au crépuscule, durant laquelle le croyant invoque par la prière la paix de son âme, avant que la nuit ne s'enfonce. Même si Björk elle-même ne se reconnaît aucun sentiment religieux (elle aime à dire que l'Islande a toujours été une terre païenne), la quiétude mystique qui baigne cet album est en ce point totalement frappante.
Vespertine est une ode au travail, la réalisation de cet album fut l'occasion de tester ses chansons sur ordinateur. En ce sens, l'album est aussi un hommage à l'utilisation intelligente de la technologie.
Comme elle le dit elle-même, Vespertine est ainsi une déclaration d'amour à son ordinateur portable... Pour la première fois de sa carrière, la chanteuse islandaise semble avoir abordé un album dans sa totalité, elle qui était très attachée au format pop de la " chanson qui dit tout en trois minutes ". Ici, et c'est sans doute pour cela que cet album sera le plus difficile à aborder pour ses fans, tout doit être pris dans son intégralité.
Même si Hidden Place ressemble à une sorte de single que l'on peut extraire de Vespertine, les onze autres thèmes de l'album sont difficilement dissociables. Hidden Place prend place dans le lit de la chambre à coucher. De cette chambre, on ne sortira à vrai dire pas trop tout au long de l'album. Vespertine est une ode au home studio, une déclaration d'amour faite au travail effectué à la maison. Et Hidden Place, avec ses premiers chœurs issus du paradis et ses béats organiques, plante déjà le décor d'une réalisation toute personnelle et intérieure. À cette occasion, on redécouvre le chant susurré de Björk, cette intonation timide et mesurée que l'on n'avait pas retrouvé depuis les Sugarcubes.
Cocoon porte bien son nom : une sorte de comptine délimite un
territoire dans la chambre (il neige dehors) et les percussions minimales enrobent une sorte de chant de Noël, qui est aussi un véritable hommage à l'enfant. La voix de Björk s'élève de nouveau pour cette mélopée qui semble se diriger vers la cheminée, et accueillir des cadeaux ima- ginaires. De nouveau, Bjôrk susurre et gémit, comme si un ange céleste s'était saisi de sa personnalité.
Avec le titre suivant, It's Not up to You, c'est le duo Matmos, groupe techno bruitiste discret de Los Angeles, qui fait son apparition. Et de nouveau, un miracle s'opère. D'un côté, le triturage du rythme et des béats, de l'autre, les envolées de cordes. Le tout réunit dans une sorte de nouvelle célébration de la comédie musicale, mais d'une manière plus bancale, plus vicieuse.
Undo le titre suivant,se construit avec une mélodie minimale et une harpe imposantePour justifier le côté céleste, un chœur imposant fait de nouveau une apparition, se manifestant dans une version nouvelle d'un "sang, sueur et larmes", mais apaisé et rayonnant de bonté.
Pagan Poetry, le dernier chant que Björk a travaillé en studio, est l'un des sommets émotionnels de l'album. Cette poésie païenne prend de nouveau appui sur une harpe céleste et des béats organiques qui labourent le chant en suspension de la chanteuse.
Frosti, doux instrumental qui semble accompagner la chute des flocons, est une transition rêvée pour marquer la moitié de l'album.
Celui-ci reprend avec Aurora, qui débute avec des pas dans la neige. De nouveau, les expérimentations sonores de l'Islandaise font des merveilles. Nouvelle union des cordes, de la voix et du rythme doux, Aurora pourrait illustrer n'importe quelle campagne publicitaire pour le tourisme islandais tant cette musique et ce texte colle à une ambiance boréale. On se dit que cet ensemble est si parfait que la voix de Björk pourrait habiter à elle seule cette nouvelle composition magique.
Nouvelle plongée dans l'univers intérieur de la chanteuse, à la lumière de la bougie, sur An Echo, A Stain, comme si les ensoleillements discrets des précédents thèmes avaient déjà donné trop de lumière. Un chœur mystérieux issu des abysses, des entrelacs de cordes, une voix suspendue : c'est le mélange prenant de cette composition qui célèbre une communion des corps dans un clair-obscur cotonneux.
Sun in My Mouth présente un texte de l'Américain E.E. Cumings qui évoque une vision panthéiste d'une nature sauvage et mystérieuse. Ce " soleil dans la bouche " rappelle curieusement les paroles de Björk à l'occasion de la sortie de cet album, quand elle déclarait qu'elle avait redécouvert son Islande, après le tournage de Dancer In the Dark, en... mangeant de la neige, comme si elle devait se réapproprier physiquement un élément indispensable à son propre équilibre.
Après ce court thème, l'exploration Björkienne se poursuit avec Heirloom, qui fait redémarrer l'album sur les chapeaux de roues. On pourrait dire ici qu'il s'agit d'un titre dance... qui ne se danse pas. Björk, jamais à court d'une invention, crée ici le groove du surplace, avec cette ritournelle qui se déplace sur elle-même, comme un électron fou qui changerait sans cesse de trajectoire. De nouveau, l'inventivité des rythmiques et des habillages sonores fait envie : son univers sonore n'est finalement pas délimité. Björk encourage bien une création à son paroxysme, délimitant de manière très lâche des idées de mélodies et d'arrangements.
Harm of Will illustre la notion d'extase tran-quille que Bjôrk a réussi à produire sur Vespertine. Uni-son est le deuxième sommet émotionnel de l'album, après Pagan Poetry. Cette ode à l'indépendance se déroule dans une ambiance tranquille et sereine, la tête relevée vers le soleil, comme si c'est seulement à ce moment de l'album qu'elle osait ouvrir la porte de sa maison pour prendre un peu d'air. Se noyant dans les cordes et les chœurs.
Unison est une conclusion idéale à cette production apaisée et tranquille, qui augure d'une artiste ayant retrouvé son univers intérieur. De nouveau, elle s'appuie sur la confrontation tranquille entre les cordes et les pro-grammations électroniques pour poser un univers qui lui est totalement personnel. Ce miracle de la création est définitivement la marque de fabrique de Bjôrk, qui est réellement l'une des très rares artistes actuelles à pouvoir créer un univers de toutes pièces.
Source : www.allbjork.com/...///www.allbjork.com/fr/bio/index.php
Fille de Hildur Runa Hauksdotir, vivant dans une communauté Hippie et de Gudmundur, électricien.
Björk signifie bouleau en français, un arbre qui était sacré à l'époque des vikings. Björk est également le nom d'un signe runique qui signifie renaissance ou résurrection.
Peu de temps après sa naissance, Hildur décide de vivre avec Saevar Arnarson qui faisait partie d'une communauté hippie. Il est guitariste dans un groupe, Pops, qui ne joue que des reprises de Eric Clapton et Jimi Hendrix.
Au sein de la communauté de ses parents, Björk acquiert rapidement une indépendance qui lui permet de diriger vers une éducation musicale.
" Pendant longtemps, j'ai considéré que vivre dans la communauté hippie où j'étais représentait vraiment une chance : voir des gens qui me racontaient des histoires pendant 6 heures, m'apprenaient la peinture, etc. Et puis, vers l'âge de 6 ou 7 ans, je me suis dit : " Mais pourquoi ne vous levez vous pas pour AGIR, faire quelque chose, au lieu de raconter des histoires qui ne mènent à rien ! " C'est à partir de ce moment que je suis devenue très active. C'est quelque chose que les gens autour de moi peuvent constater : ma volonté. Je crois que je suis vraiment faite d'acier. "
DECOUVERTE DE LA MUSIQUE...
En peu de temps, elle étudie le solfège, la flûte et le piano. Elle s'intéresse aussi beaucoup à la musique classique, au jazz et au folk en partie pour se démarquer du rock et de la pop psychédélique alors en vogue et qui ne l'intéressaient pas. Son éducation musicale est très variée. Björk désire tout connaître de la musique.
A onze ans, un petit label, Falkinn, contacte sa mère pour lui proposer un contrat d'enregistrement. Elle a donc eu l'occasion de faire quelques essais de voix : elle a chanté pour la principale radio d'Islande la chanson Love to Love.
Plus tard, grâce à l'aide de son beau père Saevar, elle enregistre son premier disque. Il sortira à la fin de l'année 1977, en même temps que les fêtes de Noël. Cet album rassemble des reprises internationnales comme Stevie Wonder, es Beatles, Melanie, mais également des chansons traditionnelles islandaises et même une chanson écrite par Björk en hommage à un artiste-peintre islandais Johannes Kjarval. " La musique de cet album était très joyeuse, une pop gentillette. A la fois " bubble gum " et " fofolle ". Il s'agissait plutôt de chansons pour enfants, mais aussi de choses que j'avais écrites moi-même. L'album s'est vendu à 7000 exemplaires, ce qui correspond à un disque de platine en Islande.
Deux ans après cette première expérience discographique en 1979, elle forme un groupe avec deux amis, Exodus, qui se contentera d'éditer quelques démos sans grande importance, leur musique se rapprochant d'une sorte de mix de pop et de new wave. Cela donnera en tout cas l'occasion à Björk de passer brièvement à la télé islandaise.
TAPPI TIKARRASS...
Après l'épisode Exodus, au début des années 80, elle reprend sa vie en main en vivant de petits boulots. Elle travaille à l'usine Coca Cola, dans une poissonnerie, chez un antiquaire et tout ça en même temps !
Elle monte alors un nouveau groupe, Tappi Tikarrass, en compagnie du bassiste d'Exodus, Jakob Magnusson. UN premier mini-LP, Bitid Fast I Vitid sort rapidement sur le label Spor de Reykjavik, en septembre 1981. Le groupe connaît un bon succès et passe même dans un documentaire télévisé, Rokk I Reykjavik. Cette émission donnera à Björk l'occasion de découvrir d'autres groupes islandais qui possèdent des affinités avec elle. Des membres de ces groupes collaboreront ultérieurement ave Björk : Einar Gulli et Siggi entre autres. De ce documentaire réalisé par Fridrik Thor Fridrikson, sera tirée une compilation qui donne une idée très fidèle de la scène rock islandaise de cette époque.
En 1983, à 17 ans, et après un dernier album de Tappi Tikarrass, Miranda, Björk se sépare de ce groupe pour rejoindre ses amis de la scène alternative islandaise : Siggi et Gulli de Peyr, ainsi que Einar, vieil ami de Björk. A cet effet, deux des groupe les plus importants de cette scène, Peyr et Purrkurr Pillnikk, se sabordent en même temps que Tappi Tikarrass…
C'est le début d'une nouvelle aventure pour un nouveau groupe, Kukl, qui entame son aventure en passant à un show radio durant l'été de cette année, une émission nommée Afangar, qui est un reflet de la scène new wave islandaise.
KUKL...
A cette époque, la relation de Björk, Einar et Siggi s'intensifia au point qu'ils envisagèrent de monter un nouveau groupe. C'est ainsi que naquit Kukl (sorcier en islandais) avec Björk comme chanteuse, Einar Orn Benediktsson aux cuivres et au chant; Sigtryggur Baldursson dit Siggi à la batterie et Thor Eldon Jonson à la guitare. Quelque temps après, Gud Krist, guitariste énigmatique, Birgir à la basse et Melax au clavier vinrent s'ajouter au groupe.
Ils enregistrèrent ensemble deux albums qui sortirent ensuite en Grande Bretagne : The eye en 1984 et Holidays in europe en 1985. Encouragés par cette série de fantaisies romantiques et aventureuses qui obsèdent les cerveaux des adolescents, les membres de Kukl décidèrent de quitter l'ennuyeuse Islande pour mettre le cap sur la Grande Bretagne, non sans avoir financièrement tapé les membres de leurs familles.
Là, ils achetèrent une voiture, symbole maximum du bien-être capitaliste et se consacrèrent à jouer et à survivre... Björk se souvient: "On étaient très pauvres. Notre seul objectif était de jouer de ville en ville, de café en café. Pour nos déplacements, on volait l'essence des réservoirs des voitures. On ne mangeait que du sucre, par petits morceaux..."
Le 14 septembre 1984, les musiciens de Kukl se produisent à Paris où ils enregistrèrent une cassette (éditée par le labelVisa) qui circula dans les magasins de disques les plus outsiders d'Europe sous le titre explicite de Kukl à Paris. Comme d'authentiques missionnaires, les membres de kuklretournèrent au pays avec une auréole de prédicateurs de la culture anticonformiste islandaise.
Leur choix musical était dense et imposant. Soutenus par lerock gothique et sinistre de Killing Joke et par l'after-punk de The Fall, le groupe composa des morceaux d'une construction sonore blindée dont les guitares rappelaient les moments les plus fantastiques de King Crimson.
THE SUGARCUBES
Le passage de kukl aux Sugarcubes fut planifié de façon froide et rationnelle. Malgré les protestations de Björk qui regrettait la dissolution du groupe. Einar Or, l'idéologue du groupe proposa de faire table rase et de repartir à zéro, selon un concept pop, pour assainir leur économie et prnendre un peu de recul avant l'étape suivante. Thor, Siggi, Bragi et Björk le suivirent, mais pas Gulli... Conscients du changement radical, ils renoncèrent au nom antérieur et se rebaptisèrent Sykurmolarnir, c'est à dire The Sugarcubes.
Leur intention suprême était de placer au second plan le caractère idéologique et intercaler des passages de pop de consommation pour devenir, selon la chanteuse, un "cliché vivant".
Selon la version officielle, le groupe se forma le 8 juin 1986 avecEinar, Siggi, Thor, Bragi, Björk et einar Melax qui sera rapidement remplacé par Margret Ornolfsdottir dite Magga. Cohérents avec leur rôle d'aristes et d'agitateurs conceptuels, The Sugarcubes créèrent une marque propre, Bad Taste et ils montèrent une librairie de poésies, une station de radio, une galerie d'art et, finalement, une maison de disques. Tout un holding anticonformiste.
Björk se maria avec Thor Eldon et se retrouva enceinte; en même temps. TheSugarcubes commencèrent à montrer leurs griffes de super groupe islandais, à la projection internationale. Leur premier single, encore enregistré sous le nom de Skyurmolarnir -Sugarcubes en islandais- fut Einn mol' a mann, édité en cinq cents exemplaires; il fut suivi, alors que le groupe était définitivement rebaptisé en anglais, de Birthday en septembre 1987. La presse britannique acceuillit la chanson avec beaucoup d'enthousiasme. Melody Maker choisit mêmem la chanson comme single de la semaine.
Le boom arriva avec le premier album, Life's too good, édité en mai 1988; les éloges de la presse britannique donnèrent des ailes aux prétentions internationales d'Einar et de ses collègues. Un écrasant mixage de pop, rock, funk et même jazz, fit de l'album une rareté de la scène indie des années 80. Pour couronner le tout, il reçut un accueil très favorable du public:
150 000 exemplaires se vendirent sur le dur marché britannique... et près d'un demi million sur le marché encore plus difficile des Etats-Unis.
Le succès de The Sugarcubes commença à diminuer à partir de l'édition de leur deuxième album. Hère today, tomorrow next week!, en octobre 1989.
Mais l'imagination illimitée de Life's too good semble s'être diluée dans une collection routinière de chansons irrégulières. L'accueil discret de Hère Today, tomorrow next week! décida Björk et ses compagnons à retourner en Islande et à ouvrir une parenthèse dans leur travail en commun.
Björk prit un peu de repos. En septembre 1990, elle se proposa d'enregistrer dix-sept chansons avec le pianiste vétéran Gudmundur Ingolfsson, qui mourut peu de temps après. Il s'agissait de thèmes traditionnels islandais de jazz ainsi que trois versions, Ruby baby et les standards de jazz / can't help loving that man et Pad sést ekki saetari mey. Les musiciens Gudmundur Steingrimsson et Pördur Högnason participèrent aussi à l'enregistrement d'un album signé Björk Gudmundsdöttir & Trio Gudmundar Ingolfssonar, paru vers la fin de l'année 90, sous le titre de Gling-glo.
Le regard à nouveau tourné vers la Grande Bretagne, elle prit contact avec divers musiciens. Elle collabora avec le groupe de Manchester 808 State en mai 1991sur les chansons Ooops et Qmart.
Mais Björk pensait toujours à The Sugarcubes qu'elle considérait comme son groupe, comme un projet non terminé. Alors le sextuor se réunit à New York pour préparer les chansons de son album posthume, Stick around for joy, édité en février 1992 et précédé du single Hit. Malgré la qualité de leur travail, les musiciens de TheSugarcubes étaient en proie à d'importants remous internes et se dirigeaient vers un abîme.
Curieusement, il n'y eut pas de communiqué officiel de la dissolution du groupe The Sugarcubes, mais c'était déjà de l'histoire ancienne. Pendant quelque temps, Björk insista, dans ses déclarations, sur le fait que son projet de chanter comme soliste était complémentaire à sa carrière avec le groupe.
DEBUT
Dès le premier titre de Début, Human Behaviour, l'ambiance est installée : Björk a atteint une indéniable maturité. Human Behaviour est un chef-d'œuvre de délicatesse, une magnifique ode légèrement " groovy ", comme Björk saura en écrire ensuite, un merveilleux pied de nez à sa carrière des Sugarcubes, un changement de direction à 180°.
Cependant, Björk ne sait pas encore où elle va avec cet album. Tout s'est passé très vite depuis la fin des Sugarcubes, Le petit ami " 1992 " de Björk, Dom T, est un ami de Nellee Hooper, célèbre producteur-gourou de Soul II Soul et Massive Attack. Dom T persuade Hooper de rejoindre Björk pour l'aider dans sa toute nouvelle carrière solo. Björk, qui s'installe dès 1993 à Londres, pour côtoyer " l'industrie " au plus près : les maisons de disques, les concerts, les studios... Reykjavik est bien loin.
Intéressé par le potentiel vocal de Björk, Nellee Hooper accepte la donne : il produira l'album solo de Björk. Et le moins que l'on puisse dire, c'est que Björk, outre la présence importante de Hooper, est très bien entourée. Marius de Vries aux programmations, Talvin Singh aux tablas, Howie B. à la coproduction pour n'en citer que quelques-uns.
Björk ne sait pas très bien où elle va, et ses textes s'en ressentent presque avec des allusions curieuses, comme dans Human Behaviour (There's definitely no logic/to human behaviour/but yet so irresistible) ou Big Time Sensuality ('don't know my future after this week-end and I don't want to), et l'album aussi, avec de multiples directions musicales. Si Venus as a Boy sonne " oriental " avec la présence des arrangements de cordes de Talvin Singh, There's More to Life Than This est une hilarante tentative de disco enregistrée... des toilettes d'un bar, tandis que Come to Me fait appel aux tablas de Singh pour une belle chanson d'amour que l'on croirait presque dédiée au fils de Björk, Sindri. Citons enfin Violently Happy, ritournelle house parfaite, qui servira de conclusion à ses concerts, transformant les salles en rave parties endiablées ! Les tentatives sont diverses, mais le travail reste identique ; un gros effort est fait sur la production et les arrangements, comme en témoigne la superbe composition The Anchor Song, fondée sur des arrangements de cuivres, ou Aeroplane, petite envolée exotique sur tapis de cuivres, ou un autre sommet de l'album, la reprise de la chanson de Burke/Van Heusen, Like Someone in Love, qui nous fait goûter du " Earing guitar like someone in love " sur fond de... harpe !
POST
Lorsque Post parait en 1995, le défi est grand: il s'agit de faire mieux que Debut! Il semble réussi puisque Post frôle la perfection. Elle implique dans cet album Nellee Hooper,Howie B., Graham Massey qui avaient déja travaillé sur Debut mais invite également Eumir Deodato, célèbre arrangeur brésilien, et Tricky qui coécrit avec elle deux titres, Enjoy et Headphones.
En retour, Tricky invitera Bjôrk sur deux titres de son projet Nearly God.
Post se présente comme un prolongement de Début, avec une instrumentation plus élaborée et des idées d'arrangements encore plus audacieuses. On quitte un peu plus les béats parfois house de Début pour ne connaître qu'une sorte de bain musical étonnant, entre cordes, cuivres, harpe et programmations.
Les instants a priori faibles de l'album sont très peu nombreu,. les instants de génie, de purs moments de bonheur musical, sont eux très nombreux. À commencer par les morceaux en partie arrangés par Deodato, tels Hyperballad, superbe dérive sur tapis de cordes et synthés, It's Oh So Quiet, alternant douceur et folies, et sa belle progression ou encore I Miss You, une jolie composition cosignée Howie B. Même les morceaux travaillés de manière plus " brut " sont irrésistibles, comme l'impressionnant Army of Me, réfléchi dans ses moindres détails.
Cette volonté de partir dans différentes directions se remarque également au niveau de la production. Plus de quasi-contrôle de la part du gourou Nellee Hooper : ici, pratiquement chaque artiste, arrangeur ou producteur qui apporte sa touche à telle ou telle composition est invité de même à sa pro- duction.
Grande toile expressionniste, Post se nourrit ainsi des touches de couleurs d'une multitude d'artistes. Le désir de Björk de rencontrer des artistes, des compositeurs, et de passer au travers sa propre œuvre, trouve ici son apogée. Jamais l'idée de correspondance (Post) n'avait paru aussi véritable...
L'album est une fois de plus un succès critique et public. Les grandes salles s'ouvrent dorénavant à la petite Islandaise, nouvelle reine promue des années 90.
TELEGRAM
Telegram, album de remixes, se voulait être un album de fête et de célébration, une manière pour Björk de remercier tous les remixeurs qui ont ardemment travaillé sur ses compositions.
En ce mois de novembre 1996, il sort en réalité dans un contexte assez difficile. 1996 n'aura pas été une année aisée pour Björk, entre son combat avec une journaliste anglaise dans l'aéroport de Bangkok et la tentative de meurtre d'un fan fou par colis piégé interposé, tentative heureusement déjouée par la police londonienne, mais qui conduira au suicide du fan... Sans oublier les affaires de cœur de la belle, qui s'achèveront par un pugilat stupide entre Goldie et Tricky, deux ex-amants, à la fin de l'année.
Telegram est un album passionnant. C'est également un combat qui n'était pas gagné d'avance pour un album entièrement dédié à des remixes, étant donné les quantités de travaux parfois insipides qui peuplent les maxi sortant chaque année! Quel était le contexte musical lors de la sortie de Tele-gram ? Björk est depuis trois ans à Londres. Elle se sent bien dans la capitale anglaise. Elle pense que ses albums reflètent plusieurs émotions, ou plutôt des phases émotionnelles qui tentent d'établir une connexion avec ses propres émotions.
En prolongement de ces recherches, Björk s'est depuis longtemps intéressée au travail des remixers, ces " artistes associés " qui deviennent complices de l'Islandaise le temps d'un titre. Elle a voulu leur consacrer un album : Telegram, correspondant " postal " de Post, comme un post-scriptum ajouté à une longue tirade. Telegram pousse donc encore plus loin les passerelles qu'avait lancées Björk sur Post : arrangements de cordes, drum and bass, ambient, techno hardcore ou quatuor cohabitent sur cet album riche et développé dans de multiples directions.
L'album débute par Possibly Maybe remixé par Mark Bell de LFO, un ami de longue date de Björk, qui avait effectué des remixes de Hyperballad. Possibly Maybe est dans la lignée des productions de LFO, soit une techno sobre et racée. Hyperballad, superbe montée en puissance de Post, est ici revisité par le Brodsky Quartet, un quatuor à cordes, dans une belle envolée lyrique qui a tant enchanté Björk qu'elle en a réenregistré les paroles. Enjoy est le fruit d'une collaboration avec Outcast, qui a traité la chanson de Björk et Tricky sur le mode hard-core, dans la lignée des travaux d'un Alec Empire.
Sur My Spine, la seule collaboration originale de l'album, Björk s'est adjoint les services d'Evelyn Glennie, une percussionniste surdouée, sourde à 90 %... Le résultat est étonnant de simplicité et de cohésion. Le titre a été enregistré en... dix minutes, le courant étant très bien passé entre les deux jeunes femmes. I Miss You, titre coécrit avec Howie B., est remixé par un de ses amis, Dobie. L'habillage du titre est digne de l'univers Pussy Foot, l'écurie d'Howie B. Isobel et You've Been Flirting Again sont de brillants exemples de la participation d'Eumir Deodato, Cover Me est la tentative drum and bass de Dilinja. Une réussite totale... Army of Me est un pari. Le titre avait été coécrit par Graham Massey, le mentor de 808 State. Enfin, l'album s'achève avec ce qui est sans doute le remix le pls intriguant de l'album, celui de Headphones réalisé par Mika Vaino.
Au final, Telegram se révèle passionnant et riche d'enseignements. Non seulement il crédibilise le travail des remixers les plus talentueux, mais il illustre le principe de collaboration entre artiste-compositeur et artiste-arrangeur...
HOMOGENIC
Ainsi donc, après les "relations épistolaires " qui avaient dirigé la marche à suivre des premiers albums, Début, Post et Telegram, Björk semble se recentrer sur elle-même. Telegram avait conclu en beauté la trilogie des premiers albums, Homogenic est un nouveau départ. L'album a été enregistré dans le studio résidentiel de Björk, situé à El Madronal, dans le sud de l'Espagne. Une sorte de retour à une certaine simplicité pour celle qui avait traversé l'année 1996 dans la tourmente.
L'adage " on ne change pas une équipe qui gagne " semble avoir guidé Björk dans ses choix de personnel, puisque l'on retrouve Mark Bell de LFO à la production, et une grande aide d'Eumir Deodato sur les arrangements de cordes du Icelandic String Octet. Ceci pour les constatations générales, outre le fait que l'on retrouve au mixage Howie B. et... RZA du Wu Tang Clan.
Homogenic est une merveilleuse prolongation de Post, comme si une nouvelle dimension avait été apportée au précèdent album studio. On retrouve sur Homogenic une variété de sons impressionnante, allant d'un énorme travail sur la voix de Björk à un ensemble de rythmiques proprement époustouflantes. Les arrangements de cordes s'avèrent parfaits, et l'inventivité qui ressort des compositions est constamment présente, des titres lents aux plus percussifs.
Les textes de Björk ont également sensiblement changé, prenant un tour plus pessimiste que sur album précédent, comme si les événements de 1996 l'avaient
Homogenic commence tout d'abord avec une série de titres mélodiquement très réussis, et comportant un important travail d'écriture harmonique.
Hunter est une nouvelle pierre blanche de l'album, vaste fresque martiale, accompagnée par des staccatos, et une série d'infra basses énormes ! On sent une menace lourde tout au long de ce morceau exemplaire, qui joue une fois de plus avec l'extraordinaire voix de Björk. C'est avec ce type de composition qu'on se rend compte de l'incroyable pouvoir "cinématographique" des chansons de Björk, capable de créer un vrai récit musical en l'espace de trois minutes.
Joga, le premier single, modèle de long développement à base de béats, de filtres, et de cordes agencées à merveille. Dès ce premier titre, la voix de Björk est éclatante de maturité
Unravel nous présente une collaboration de Howie B., à la production, dans un titre très ambient, qui met en valeur une rythmique lente, un orgue sobre et des trouvailles techniques comme plusieurs bandes inversées...
Bachelorette est un nouveau sommet de l'album (il y en a tant...), qui mise, comme Joga, sur une union parfaite entre l'acoustique (harpe, violons, violoncelles, timbales, accordéon!) et une rythmique menée de main de maître par Mark Bell.
All Neon Like, développe un nouveau jeu sur les rythmes, propulsant la chanson sur un tempo bondissant! Les variations des tons de la voix de Björk sont une fois de plus impressionnantes. De plus, l'agencement des instruments est tel que l'on a l'impression qu'ils " font la cour " à la voix de Björk ...
Five Years pousse encore plus loin les traitements sonores, avec un nouveau filtrage des voix particulièrement audacieux. Björk pousse sa voix jusqu'à rugir, et une fois de plus les arrangements de cordes de Deodato sont une merveille, sans parler d'une nouvelle utilisation de filtres de distorsion, qui se rapproche du son d'un groupe comme Outcast, avec qui Björk a déjà collaboré.
Immature se présente dans la lignée de Post, avec nappes de synthés et boucles avec piano. Une voix en écho nourrit une composition calme.
Alarm Call est un curieux mélange de composition ambient mixée avec des chœurs, le tout baignant dans la luxuriance d'une multitude de "bruits" d'ambiance .. La rythmique ici curieusement, est plus classique.
Pluto nous dévoile encore un étonnant travail de rythmique, totalement déjanté, qui se marie à merveille avec les sonorités très brutales des synthés. Nous sommes une fois de plus dans une lignée " LFO ", avec une série de breaks impressionnants, qui s'achèvent avec la voix littéralement habitée de Björk .
Enfin, nous terminons en beauté avec le magnifique All Is Full of Love, s'écroulant dans le déluge d'un refrain entêtant (un appel à la rédemption?), nourri de harpe, de violons et de la voix douce et éthérée de Björk.
SELMASONGS
Un court album (37 min), juste histoire de faire patienter jusqu'au réel quatrième album...
Il s'agit bien entendu de la bande originale de Dancer in the dark, film réalisé par Lars Von Trier et dont Björk a obtenu le premier rôle. Ce film a reçu la palme d'or au festival de Cannes en 2000 et le prix d'interprétation féminine pour Björk.
Il se trouve que la chanteuse a rencontré de graves problèmes pour la postproduction de cet album, pour laquelle on ne lui a pas accordé de contrôle. Elle avait de son propre aveu écrit huit minutes de musique en moyenne pour chaque thème. Ces thèmes ont été ramenés à quatre minutes en moyenne... Nous héritons donc d'un album franchement tronqué, qui aurait pu avoisiner l'heure d'écoute. La bande sonore de Dancer in the Dark reprend les principaux thèmes développés par la chanteuse durant le film.
Encadrées par deux très beaux développements instrumentaux (Overture et New World), les cinq chansons présentent chacune des caractères sensiblement différents.
Cvalda est chanté en duo avec Catherine Deneuve (qui joue précisément le rôle de Cvalda dans le film), avec de premières et sérieuses incursions dans le domaine de la chanson rythmée du type comédie musicale.
I've Seen It All, en duo avec Thom Yorke (Radiohead) est sans doute la chanson la plus poignante de l'album, une évocation de la cécité grandissante de Selma dans le film. Un thème scandé de manière subtile par les bruits d'un train circulant (par ailleurs l'une des scènes les plus remarquables du film).
Scatterheart et In the Musicals reproduisent les recettes chères à Björk : chant amplifié ou mutin, subtilité des arrangements et belle présence orchestrale, avec cette omniprésence de rythmes parfois scandés.
107 Steps est un court pont vers le final de la bande originale, New World.
Si le film avait pu agacer par une certaine propension, de la part de Von Trier, à verser dans le " pathos " et le larmoyant, il faut reconnaître à Björk, outre un excellent talent d'actrice, une présence irradiante sur cette bande originale, qui la place parmi les interprètes de la pop les plus intrigantes et les plus fascinantes. C'est plus que jamais sur cet album que l'on découvre sa voix envoûtante, tour à tour mutine, lascive ou menaçante. De plus, son talent de chanteuse se double ici d'un magnifique sens de la composition, aidé en cela par le producteur Mark Bell et le chef d'orchestre Vincent Mendoza. Une phase de transition (après Homogenic) qui augurait du meilleur pour son album à venir, Vespertine.
VESPERTINE
Album de Björk paru le 28 août 2001.
Vespertine est un voyage introspectif, une déclaration très intime de Björk qui se plonge en elle-même pour aborder des thèmes où sensualité, amour et confessions en tous genres se côtoient.
Elle ne voit aucune contradiction dans cette approche particulière de la vie, où la chanteuse se livre en toute impudeur : " C'est la vie de toute façon. Ta grand-mère t'appelle pour dire qu'elle est malade, et juste après tu mets du rouge à lèvres pour aller voir ton petit copain. Il faut jongler avec tous ces éléments pour qu'ils s'imbriquent. Quand tu te couches, si ta journée s'est bien passée, c'est que tu as bien jonglé, et puis il y a des jours où tu n'y arrives pas. Tout cela est contradictoire, mais il faut ça pour que la musique devienne plus réelle, moins isolée de la vie. Il doit y avoir un brin de lâcheté aussi dans tout ça : pour la première fois dans ma vie avec cet album, je me suis efforcée de créer un cocon. J'ai toujours été cette " punk " qui voulait que tout soit très vrai, très brut. Cette fois, cet album doit être un paradis dans lequel on peut s'échapper. "
Vespertine, plus qu'ailleurs dans sa discographie, Björk redécouvre sa voix et la richesse des arrangements qu'elle peut y coller. elle réussit une fois de plus à fédérer un nombre impressionnant de collaborateurs autour d'elle. Des "classiques", comme Guy Sigsworth, Valgeir Sigurdsson, Marius de Vries, Vincent Mendoza, Mark Stent, mais aussi des "nouveaux", comme Matmos (duo américain bruitiste à l'imagination débordante), Matthew Herbert, le Danois Thomas Knak ou la harpiste Zeena Parkins. Mais c'est bien elle qui dirige cette farandole d'artistes, avec comme toujours un sens inné de la programmation, des arrangements et des mélodies particulièrement riches sur cet album.
Entre ambition chorale, arrangements luxuriants et outils de programmations modernes, Björk a une fois de plus réussi à fabriquer un album intemporel et attachant, plongé dans les racines du passé (on y trouve un texte de E.E. Cummings datant de 1925) et tourné vers l'avenir. Vespertine apparaît bien être un disque en réaction. En réaction à l'exubérance et à la chaleur incandescente d'Homogenic (qui concluait de toute beauté une trilogie entamée avec Début et Post) l'ambiance générale du disque plonge dans une douceur ouatée d'un hiver en Islande, calfeutré dans un home studio minimal. Mais Vespertine a aussi été composé par la chanteuse islandaise à son retour de l'éprouvant tournage de Dancer in the Dark, durant lequel tous les voyants émotionnels de l'actrice avaient été activés dans le rouge, avec à la clé de constants conflits ouverts entre le réalisateur Lars Von Trier et la chanteuse. C'est à cette occasion, pour la première fois dans sa vie sans doute, que l'Islandaise était confrontée à quelqu'un qui désirait contrôler sa destinée. Une véritable épreuve pour cette artiste plutôt habituée à diriger sa propre carrière... Björk avait besoin de repos, de calme et de réflexion pour redémarrer sa carrière de chanteuse...
Vespertine évoque, bien entendu, les vêpres, la religion et donc la prière. Cette période religieuse assimilée au crépuscule, durant laquelle le croyant invoque par la prière la paix de son âme, avant que la nuit ne s'enfonce. Même si Björk elle-même ne se reconnaît aucun sentiment religieux (elle aime à dire que l'Islande a toujours été une terre païenne), la quiétude mystique qui baigne cet album est en ce point totalement frappante.
Vespertine est une ode au travail, la réalisation de cet album fut l'occasion de tester ses chansons sur ordinateur. En ce sens, l'album est aussi un hommage à l'utilisation intelligente de la technologie.
Comme elle le dit elle-même, Vespertine est ainsi une déclaration d'amour à son ordinateur portable... Pour la première fois de sa carrière, la chanteuse islandaise semble avoir abordé un album dans sa totalité, elle qui était très attachée au format pop de la " chanson qui dit tout en trois minutes ". Ici, et c'est sans doute pour cela que cet album sera le plus difficile à aborder pour ses fans, tout doit être pris dans son intégralité.
Même si Hidden Place ressemble à une sorte de single que l'on peut extraire de Vespertine, les onze autres thèmes de l'album sont difficilement dissociables. Hidden Place prend place dans le lit de la chambre à coucher. De cette chambre, on ne sortira à vrai dire pas trop tout au long de l'album. Vespertine est une ode au home studio, une déclaration d'amour faite au travail effectué à la maison. Et Hidden Place, avec ses premiers chœurs issus du paradis et ses béats organiques, plante déjà le décor d'une réalisation toute personnelle et intérieure. À cette occasion, on redécouvre le chant susurré de Björk, cette intonation timide et mesurée que l'on n'avait pas retrouvé depuis les Sugarcubes.
Cocoon porte bien son nom : une sorte de comptine délimite un
territoire dans la chambre (il neige dehors) et les percussions minimales enrobent une sorte de chant de Noël, qui est aussi un véritable hommage à l'enfant. La voix de Björk s'élève de nouveau pour cette mélopée qui semble se diriger vers la cheminée, et accueillir des cadeaux ima- ginaires. De nouveau, Bjôrk susurre et gémit, comme si un ange céleste s'était saisi de sa personnalité.
Avec le titre suivant, It's Not up to You, c'est le duo Matmos, groupe techno bruitiste discret de Los Angeles, qui fait son apparition. Et de nouveau, un miracle s'opère. D'un côté, le triturage du rythme et des béats, de l'autre, les envolées de cordes. Le tout réunit dans une sorte de nouvelle célébration de la comédie musicale, mais d'une manière plus bancale, plus vicieuse.
Undo le titre suivant,se construit avec une mélodie minimale et une harpe imposantePour justifier le côté céleste, un chœur imposant fait de nouveau une apparition, se manifestant dans une version nouvelle d'un "sang, sueur et larmes", mais apaisé et rayonnant de bonté.
Pagan Poetry, le dernier chant que Björk a travaillé en studio, est l'un des sommets émotionnels de l'album. Cette poésie païenne prend de nouveau appui sur une harpe céleste et des béats organiques qui labourent le chant en suspension de la chanteuse.
Frosti, doux instrumental qui semble accompagner la chute des flocons, est une transition rêvée pour marquer la moitié de l'album.
Celui-ci reprend avec Aurora, qui débute avec des pas dans la neige. De nouveau, les expérimentations sonores de l'Islandaise font des merveilles. Nouvelle union des cordes, de la voix et du rythme doux, Aurora pourrait illustrer n'importe quelle campagne publicitaire pour le tourisme islandais tant cette musique et ce texte colle à une ambiance boréale. On se dit que cet ensemble est si parfait que la voix de Björk pourrait habiter à elle seule cette nouvelle composition magique.
Nouvelle plongée dans l'univers intérieur de la chanteuse, à la lumière de la bougie, sur An Echo, A Stain, comme si les ensoleillements discrets des précédents thèmes avaient déjà donné trop de lumière. Un chœur mystérieux issu des abysses, des entrelacs de cordes, une voix suspendue : c'est le mélange prenant de cette composition qui célèbre une communion des corps dans un clair-obscur cotonneux.
Sun in My Mouth présente un texte de l'Américain E.E. Cumings qui évoque une vision panthéiste d'une nature sauvage et mystérieuse. Ce " soleil dans la bouche " rappelle curieusement les paroles de Björk à l'occasion de la sortie de cet album, quand elle déclarait qu'elle avait redécouvert son Islande, après le tournage de Dancer In the Dark, en... mangeant de la neige, comme si elle devait se réapproprier physiquement un élément indispensable à son propre équilibre.
Après ce court thème, l'exploration Björkienne se poursuit avec Heirloom, qui fait redémarrer l'album sur les chapeaux de roues. On pourrait dire ici qu'il s'agit d'un titre dance... qui ne se danse pas. Björk, jamais à court d'une invention, crée ici le groove du surplace, avec cette ritournelle qui se déplace sur elle-même, comme un électron fou qui changerait sans cesse de trajectoire. De nouveau, l'inventivité des rythmiques et des habillages sonores fait envie : son univers sonore n'est finalement pas délimité. Björk encourage bien une création à son paroxysme, délimitant de manière très lâche des idées de mélodies et d'arrangements.
Harm of Will illustre la notion d'extase tran-quille que Bjôrk a réussi à produire sur Vespertine. Uni-son est le deuxième sommet émotionnel de l'album, après Pagan Poetry. Cette ode à l'indépendance se déroule dans une ambiance tranquille et sereine, la tête relevée vers le soleil, comme si c'est seulement à ce moment de l'album qu'elle osait ouvrir la porte de sa maison pour prendre un peu d'air. Se noyant dans les cordes et les chœurs.
Unison est une conclusion idéale à cette production apaisée et tranquille, qui augure d'une artiste ayant retrouvé son univers intérieur. De nouveau, elle s'appuie sur la confrontation tranquille entre les cordes et les pro-grammations électroniques pour poser un univers qui lui est totalement personnel. Ce miracle de la création est définitivement la marque de fabrique de Bjôrk, qui est réellement l'une des très rares artistes actuelles à pouvoir créer un univers de toutes pièces.
Source : www.allbjork.com/...///www.allbjork.com/fr/bio/index.php
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